学习水墨画需要什么基础？

学习水墨画需要什么基础？

您好，分享一些国画学习的心得，供您参考。 从理论上讲，古人总结出中国画学习可分为四个阶段进行： 一、略知笔墨性情；二、规矩初备；三、神理少知；四、求变化。 先师言简意赅，后学者往往摸不着头脑，这四阶段具体说来，其实是一个依理而行的完整过程，缺一不可，而先后次序也井然有序、不可更替。 第一阶段主要针对中国画的（笔墨）结体手法而言，学习如何感性地认知它们。在此期间，学习者可以参照临本或“明师”（明白画理的老师）的示范稿练习如何组构笔墨。需要注意，此时的学习不宜组构太复杂的体格，否则贪多必失，重点在于感应不同运笔方式形成的浓淡枯湿的效果，以及这些笔墨变化与体格的组构关系。 第二阶段主要学习结体的规矩，也包含运笔运墨的方式。这是学习的重要时期，基础打得好不好全在于此。山水画的主导学习科目是“树石法”，当学好树、石的组构规律后，再用这些“画理”去解读宋、元、明、清的名画就会大有收获。 第三阶段是第二阶段的升华，主要是体会、领悟画中的精妙处。那么何谓“精妙处”？当代一些理论家在解析中国画的“妙”时，往往说得玄而又玄，让读者如坠云雾。但是，作为画家，应该很明确就能识别出画面的“妙”处，因为这些“妙处”最后一定会归实于笔墨上。说到底，“精妙处”指的就是笔墨精微到不可思议的地步。因此，培养自己观察名作的精微之处以及体察用笔用墨的精微之道就显得异常重要了。 在这个过程中我们常常会碰到两个问题。一是对经典作品的妙处能察而不能做，那是技法生疏、力不从心的问题，可通过增加学习时间练习基本功而逐步解决。二是不能察其那就是认识问题，认识问题只有从提高认识人手子以解决。针对此问题的学习可以从具体的一家一派入手，首先对固定风格或固定画派进行深人体会，而后再推而广之，推移到其他的名家之作上，进行广泛研究。 最后是第四阶段的画风变化问题，有了前三阶段的学习铺垫，最后一阶段的要求就能有很充实的“法”“理”依托，不至于走上邪道。这也是历代大师几乎无一例外地全都提倡从传统绘画人手进行学习的重要原因。 从实践上讲，根据我自己的学习经验，开始可以抽出一段时间先进行线条练习，首先进行线条单独练习；接着临《芥子园画谱》；而后临陈洪绶《水浒叶子》，然后先摹后临《永乐宫壁画》，通过练习，使画出线条达到放松和有弹性的程度。 刚开始练习时线条会有“变虚”的问题，这其实是用笔问题。一开始练习线条的时候，一般人可以分为两类： 一类，只会按下去，手提不起来，号致前面粗壮，墨汁浓重，到后半段干枯了，变成拖笔。 二类，只会提笔，不敢压下去，用笔尖划在纸上，越划越没有力气，到最又飘了。 这两种情况，都忽略了一个行笔过程中的问题，就是线条画过去的时候，提与按是结合的。一根好的线，就如同一个乐句，必定有高低起伏强弱有序，不会一直一个调到底。 经过一段时间的练习后，争取画出放松而又有弹性的线条。 放松的线条就是行笔时，提按结合的力度刚刚好。放松的线条会比较灵动有生气。相反紧张的线条就会比较僵硬，虽然看着也很有力度，但就是过于硬和实。就如一个人， 在较放松的时候表情会特别自然，看着也赏心悦目些，相反一个情绪紧张的人，脸部表情和动作都会不自然。松和紧是一个相互的概念，松紧是结合的，太放松，线条就没有了精神。 开始握笔的时候肯定是紧张的，因为不了解毛笔的性能，手和腕的经脉和肌肉都还没有经过一定的训练，所以紧张僵硬是自然的。但是到了一定阶段，我们有一定熟练度后，就要放松手臂与手腕，让它们不那么拘谨，这样用笔和线条才会更加自然丰富。 弧度大的线条，要追求它的弹性。一根长弧度的线条，做到圆、转、通，才能有弹性。 圆，就是线条从头到尾需要圆润；转，就是有弧度的时候手腕要随着一起转过来，但线条还是中锋用笔，这样整个线条就通了；通，就是顺畅，没有停滞感，就如血管没有梗塞，是流通的。可以想象一根铜丝弯成园弧的形状和一根绵线摆成圆弧形状，两相对比，铜丝是圆润有弹力的，绵线则有形无神。 待线条质量稳定，造型能力也有一定基础后。可以选择明清名家如金农、陈洪綬、沈周、恽寿平等的作品临摹；之后根据兴趣选择宋人小品，元四家、清四家等等作品临摹。 视频为《永乐宫壁画》摹写，供您参考。 作者已发布一系列关于书法国画学习的相关内容，欢迎关注，希望对您有所帮助。